Intervalo (música)

Intervalo melódico de quinta justa ascendente a partir de 'do'
Recibe el nombre de quinta porque hay una distancia de cinco grados entre las notas que lo forman (do y sol)
Recibe el apelativo de justa porque hay una distancia de tres tonos y un semitono entre los sonidos que lo forman.

Intervalo es la diferencia de altura —frecuencia— entre dos notas musicales, medida cuantitativamente (número) en grados o notas naturales y cualitativamente (especie) en tonos y semitonos. Su expresión aritmética es una proporción simple.

Tipos de intervalos

Intervalos simples.

La teoría musical considera tonales los intervalos de primera —unísono—, cuarta, quinta y octava y modales los de segunda, tercera, sexta y séptima.
Los intervalos tonales tienen un solo valor justo; los modales tienen un valor mayor y otro menor, propios de la modalidad en la que se encuentran.
Todos los intervalos pueden ser, demás, aumentados o disminuidos.
Se consideran simples los intervalos no mayores que una octava y compuestos a los que la exceden. Los intervalos compuestos son análogos a los intervalos simples correspondientes. Así, una novena es una segunda a la octava y puede ser mayor o menor; una duodécima es análoga a una quinta y puede ser justa.
Se denomina armónico al intervalo cuyos sonidos suenan simultáneamente y melódico a aquel cuyos sonidos suenan sucesivamente.
Se llaman complementarios los intervalos que, sumados, conforman una octava: una cuarta y una quinta son complementarias. Nótese que la suma de los cuatro grados de la cuarta y los cinco grados de la quinta se resuelve en ocho grados, no nueve, porque el cuarto grado de la cuarta es a la vez el primer grado de la quinta

Escala menor

En teoría musical, consideramos como menor aquella escala cuyo tercer grado está a distancia de un intervalo de tercera menor sobre la tónica. Esta definición incluye diversas escalas: dórica, frigia, eólica o menor, menor melódica, etc.
La escala menor natural de la (que coincide con las teclas blancas del piano al igual que su relativo mayor, do mayor) está formada por las notas: la, si, do, re, mi, fa, sol y la.
La correspondencia entre escala escala menor y mayor viene dada por un tono y medio de una respecto de la otra. Ejemplo: si menor es la escala relativa menor de re mayor. Mi menor es la escala relativa menor de sol mayor.

Intervalos de tonos y semitonos en la escala menor de la. Nótese que ―erróneamente― las notas están escritas con mayúsculas y no en cursiva sino en letra redonda.

Intervalos de tonos y semitonos en la escala menor de si. Nótese que ―erróneamente― las notas están escritas con mayúsculas y no en cursiva sino en letra redonda.

Está construida a partir de la relativa de la mayor (basada en do), que es la, donde se construyen los intervalos entre grados de la escala.
Así, la escala menor de la no tiene alteraciones, sobre la misma estructura se construyen las demás escalas cuyas notas se irán alterando para ajustarse al intervalo indicado, como vemos a continuación en la escala de si.

Acordes

Los acordes que se forman en cada grado de la escala menor natural son los siguientes:

• I, acorde menor.
• II, acorde disminuido.
• III, acorde mayor.
• IV, acorde menor.
• V, acorde menor.
• VI, acorde mayor.
• VII, acorde mayor.

Escalas menores principales

La secuencia de intervalos en la escala menor es pues "tono, semitono, tono, tono, semitono, tono, tono", exactamente como si comenzáramos la escala mayor desde su sexto grado. La escala menor natural es equivalente al modo eólico de la escala mayor.
Escala menor natural: 1 2 ♭3 4 5 ♭6 ♭7
La tradición musical occidental normalmente ha utilizado esta escala introduciendo una variación para tener mayor estabilidad. Dado que el acorde que se forma sobre el quinto grado de la escala menor natural es menor, históricamente se ha alterado la tercera de este acorde para que la cadencia V-I sonara más conclusiva. Esto nos da como resultado la llamada escala menor armónica

Armadura de clave

La armadura de clave o armadura de tonalidad es el conjunto de alteraciones (sostenidos o bemoles) que escritas sobre el pentagrama sitúan una frase musical en una tonalidad específica. Las alteraciones se escriben en un orden concreto: para los sostenidos, fa, do, sol, re, la, mi y si; y para los bemoles, si, mi, la, re, sol, do, fa; es decir, el inverso.

Algunos ejemplos

• Sin ninguna alteración la tonalidad es do mayor o cualesquiera de sus variaciones modales; como la menor, que es su relativo menor.
• Cuando la armadura de clave es un sólo sostenido (♯) - el primer sostenido se sitúa siempre en el fa del pentagrama, avanzando por quintas al aumentar un sostenido - la tonalidad es sol mayor o cualesquiera de sus variaciones modales, como mi menor.
• Cuando la armadura de clave tiene dos sostenidos (situados en el fa y en el do del pentagrama), la tonalidad es re mayor o cualesquiera de sus variaciones modales.
• Cuando la armadura de clave tiene un bemol (♭) - el primer bemol se sitúa en el si del pentagrama, avanzando por cuartas al aumentar un bemol - la tonalidad es fa mayor o cualquiera de sus variaciones modales.

Cuando el músico lee una partitura por primera vez, sólo con ver la armadura de clave puede hacerse una idea de la tonalidad en que se encuentra la obra. En la música occidental existen 24 tonalidades distintas (do mayor, la menor, etc.). Las armaduras más complejas son:

1. La de DO♯ mayor con siete sostenidos: fa, do, sol, re, la, mi y si
2. La de DO♭ mayor con siete bemoles: si, mi, la, re, sol, do y fa
3. Las de las correspondientes tonalidades "Relativas" menores de las dos anteriores (Si♭ menor y La♭ menor respectivamente.)

Aplicando armaduras

El propósito de las armaduras es minimizar el número de alteraciones hechas sobre el pentagrama. Bajo este concepto, cualquier pieza podría ser escrita con armadura, usando luego alteraciones para corregir individualmente cada nota donde la armadura no debería aplicarse.
El efecto de la armadura prevalece a través de una pieza o movimiento, exceptuando que este sea explícitamente cancelado por una nueva armadura o por un Becuadro. Además, si una armadura al principio de una pieza indicara por ejemplo que la nota si debe ser tocada como si bemol, incluso las notas si de escalas superiores e inferiores se verían afectadas por esta regla.

Tonalidad

La tonalidad puede referirse a 2 conceptos relacionados.
Entendido como "Tonalismo": se refiere a música de origen europeo desde el siglo XVI al XIX, en que las creaciones usan escalas diatónicas y la selección y uso de las de notas musicales obedece a un ordenamiento jerárquico basado en una nota (y su acorde / escala) inicial o central: la tónica. Esta jerarquía esta basada en la consonancia sonora - resumida en el círculo de quintas). El grado de consonancia pasa a denominarse la "función diatónica" de cada nota (y sus triada), cuyo parámetro fundamental es el intervalo que cada nota forma a partir desde la nota tónica.
Entendido o usada en forma mas especifica como "tonalidad de una obra musical", se refiere a cual es la "clave", es decir la tónica (junto a su escalas y acordes asociados) en torno al cual "giran" - o al menos comienza y terminan - en general, las frases y progresiones musicales. En inglés se le llama "key"". Este concepto "en clave de" tiene significado solo bajo el supuesto que tal obra fue creada bajo las usanzas o tradición del Tonalismo/ Tonalidad ("Tonality" en inglés) descritas anteriormente.
Bajo el concepto de tonalidad, las siete notas o intervalos de una escala diatónica (mayor o menor) tienen cada uno una relación predeterminada entre ellas. Y como se ha mencionado antes, el punto referencial es la tónica (en inglés key note).
Los conceptos de tonalidad (clave) y la escala (diatónica mayor o menor) expresan ambos el mismo conjunto de sonidos. La leve diferencia es que el concepto de escala diatónica se refiere al movimiento conjunto (ascendente o descendente) dentro de estas notas, mientras que en la tonalidad (de una obra) se refiere a las notas en si que las forman, junto a sus relaciones: no importa el orden de presentación: pueden presentarse por movimiento conjunto o disjunto, lo cual obedece a los designios del compositor.
Antiguamente han existido múltiples prejuicios respecto a que ciertas tonalidades conllevan cargas emocionales en si (como que las tonalidades menores son tristes y las mayores son alegres). Sin embargo esto resulta absurdo a la luz de que una composición no puede reducirse al conjunto de notas usados. La música en si: melodías, ritmos, progresiones, dar el carácter a la música; no una mero listado de todas las notas usadas y cuales son las principales (la tonalidad). Este y otros intentos de feroz simplificación analítica son fuertemente criticados por compositores como Edgard Varèse, quien afirma “explicar (la música) por medio de (análisis] es descomponer, mutilar el espíritu de una obra”.

Orquesta de cámara

El término orquesta de cámara abarca todo tipo de conjuntos instrumentales, con la única condición de poseer tal tipo de orquesta un tamaño pequeño.
Al igual que con la música de cámara, el complemento de «cámara» se refiere al salón en la que se desarrollaban (en su origen los salones de música de los palacios y grandes residencias del siglo XVII).
Desde entonces significa «orquesta reducida que cabe en un salón». No tiene una formación concreta de instrumentos.

Las orquestas de cámara pueden clasificarse en:

• Orquesta barroca: conjunto de instrumentos de cuerdas frotadas más o menos estándar y reducido número, con intervenciones ocasionales de otros instrumentos, en especial como solistas. Se forma a partir de las obras de Corelli, y va aumentando en la primera mitad del siglo XVIII como se observa en las obras de Bach, Lully o Rameau. Debe tenerse en cuenta que no entran aquí las orquestas de ópera barroca, que tienen una composición más numerosa y variada.
• Conjuntos instrumentales indefinidos para música de cámara, como los necesarios para los Divertimenti de Mozart, el Septimino de Beethoven, y obras semejantes que emplean conjuntos reducidos y no estandarizados.
• Conjuntos contemporáneos que, aunque ya no son "para el salón", tienen una formación instrumental reducida o poco común. Así para obras de Ígor Stravinski (Ebony concerto, Dumbarton Oaks), Manuel de Falla (Concierto)

• Orquesta de Cuerdas:

Integrada por Violines, violas, violonchelos y contrabajos, más clave o piano. tal como en el período barroco y que interpreta muchas obras del período barroco, clásico, romántico, moderno y arreglos de mucha música popular.
En la actualidad muchas orquestas de cámara tienen fama e interpretan obras del repertorio con solistas invitados como:
I Musici di Roma, Solisti Veneti, Orquesta Música del Mundo, etc

Ópera

La voz ópera (del italiano opera, "obra musical") designa, desde aproximadamente el año 1650, un género de música teatral en el que una acción escénica es armonizada, cantada y tiene acompañamiento instrumental (en algunas ocasiones con pequeños adornos), donde los actores utilizan estilos poco comunes al cantar. Las presentaciones son ofrecidas típicamente en teatros de ópera, acompañados por una orquesta o una agrupación musical menor. La ópera forma parte de la tradición de la música clásica europea u occidental

A diferencia del oratorio, la ópera es una obra destinada a ser representada. Varios géneros de teatro musical están estrechamente relacionados con la ópera, como son la zarzuela española, el Singspiel alemán, la Opereta vienesa, la Opéra-comique francesa y el Musical inglés y estadounidense. Cada una de estas variantes del teatro musical tiene sus características propias, sin que tales les sean privativas y, en no pocas ocasiones, provocando que las fronteras entre tales géneros no sean claras. En la ópera, como en varios otros géneros del teatro musical, se une:

• la música (orquesta, solistas, coro y director);
• la poesía (por medio del libreto);
• las artes escénicas, en especial la actuación, el ballet y la danza;
• las artes escenográficas (pintura, artes plásticas, decoración, arquitectura);
• la iluminación y otros efectos escénicos;
• el maquillaje y los vestuarios.

La ópera se suele diferenciar de los otros géneros de teatro musical aceptándose que, a diferencia de ellos, la ópera es una representación completamente acompañada por música. La historia del género demuestra que tal afirmación no es correcta. Si bien la ópera se diferencia del teatro recitado por la extraordinaria participación de la música en su constitución, ya desde el barroco se conocían formas limítrofes como la Mascarada, la Ópera de baladas, la Zarzuela y el Singspiel que se confunden en no pocos casos con la ópera. Así, los Singspiele de Wolfgang Amadeus Mozart se consideran óperas al igual que las zarzuelas de José de Nebra, mientras que Die Dreigroschenoper (la Ópera de los tres centavos) de Kurt Weill está, en realidad, mucho más próxima al teatro recitado que a la ópera. Finalmente, hay otros géneros próximos a la ópera como lo son las ópera-ballet del barroco francés y algunas obras neoclasicistas del siglo XX como, por ejemplo, algunas obras de Igor Stravinsky. No obstante, en estas obras la parte principal expresiva recae en la danza mientras que el canto es relegado a un papel secundario. Al respecto de la diferencia entre la ópera y la Zarzuela, la Opereta, el Singspiel y el Musical inglés y estadounidense, la delimitación nace de una diferencia formal